Im Rahmen der Vortragsreihe Positionen der Fotografie gibt Sebastian W. Hoggenmüller Einblicke in seine forschende Praxis. In einem offenen Gespräch stellt er seine soziologische Arbeit zu Visualität und Gesellschaft vor und fragt, wie Bilder Bedeutung erzeugen, welche Funktionen visuelle Medien haben und wie sich mit visueller Kommunikation sozialwissenschaftlich arbeiten lässt.

Entlang seines Werdegangs spricht er über zentrale Ideen seiner Arbeit und seine methodischen Entwicklungen zur soziologischen Bildanalyse, in denen er ästhetisch-praktische Verfahren mit wissenschaftlichen Ansätzen verbindet. Sein Spektrum reicht von qualitativen Einzelbildanalysen bis zu KI-gestützten Verfahren im Umgang mit Big Visual Data.

Sebastian W. Hoggenmüller ist Soziologe mit Schwerpunkt Medien, visuelle Kultur und Data Cultures. Als Oberassistent am Soziologischen Seminar der Universität Luzern vertritt er den Bereich Medien und visuelle Kommunikation und ist zudem Dozent für Data Cultures + Literacy an der Hochschule Luzern.

In ihren Arbeiten beschäftigen sich Petra Köhle und Nicolas Vermot Petit-Outhenin (beide 1977 geboren) mit Fragen der Repräsentation und Medialisierung von Geschichte. Sie (re-)konstruieren historische Ereignisse und analysieren Strategien des Archivs, wobei der Fotografie als vermeintlichem Garant von Objektivität ihr besonderes Interesse gilt. In unterschiedlichen Settings untersuchen sie, wie die Fotografie und die ihr immanenten Praktiken der Selektion, des Ausschlusses und der Manipulation auf unsere Wahrnehmung wirken.

Positionen der Fotografie – Wie lässt sich Kunst eigentlich anwenden?

In dieser Vortragsreihe stellen Fotograf:innen und Künstler:innen ihre Arbeiten vor und diskutieren im Anschluss Fragen und Kommentare der Studierenden und Gäste. Im Zentrum steht dabei die Frage, in welchen Kontexten sich zeitgenössische Fotografie bewegt und inwiefern sich angewandte und künstlerische Haltungen treffen oder gegenseitig beeinflussen können. Wie sich Kunst als Beruf realisieren lässt oder als Voraussetzung für anspruchsvolle angewandte Arbeiten wirkt, wird von den eingeladenen ReferentInnen auf sehr unterschiedliche Weise vertreten und soll ein breites Feld von «Positionen» aufzeigen.

Keine Anmeldung erforderlich – Eintritt frei!

Arne Schmitt nutzt immer wieder Fotografie, Video und Text, um analytisch und kritisch auf Stadt und Architektur zu blicken – aus der Gegenwart heraus und meist durch eine historische Folie hindurch, die er zielgerichtet recherchiert und seinen Bildern als aufbereitetes Material mit auf den Weg gibt.

Arne Schmitt studierte Fotografie in Leipzig und Brüssel und zog 2013 nach Köln. Er lebt und arbeitet seit 2021 in Zürich. Er lehrte an der Universität Köln, an der Folkwang UdK Essen sowie zwei Jahre als Gastprofessor an der HfbK Hamburg. Seine Bücher erscheinen bei Spector Books Leipzig. Seine Arbeit wird von den Galerien Jacky Strenz, Frankfurt a.M. und K‘, Bremen vertreten. Wir freuen uns, euch zahlreich begrüssen zu dürfen!

News entwickelt die vielbeachteten Arbeiten des Schweizer Künstlers Thomas Flechtner weiter. Während er sich in Snow mit Schnee als Metapher für Zeitlosigkeit, Ruhe, Distanz und Einsamkeit auseinandersetzte, untersuchte Flechtner mit Bloom in atmosphärisch verdichteten Pflanzenstudien die unbändige Farbigkeit und Bewegung der gewachsenen Natur. Für sein neues Projekt News sammelte Flechtner über ein Jahr weltweit Zeitungscover, um sie mit Pflanzensamen aus verschiedensten Ländern zu bestreuen, zu wässern und schliesslich der Sonne auszusetzen. Das allmähliche Verblassen und Überwachsen der «News» hält er auf mehr als hundert Farbfotografien fest. Flechtner stellt die Anarchie der Natur der menschbestimmten Agenda gegenüber und hinterfragt die Flüchtigkeit des Gedächtnisses ebenso wie die Anforderungen an dasselbe für die Gestaltung der heutigen Welt.

Thomas Flechtner, geboren 1961 in Winterthur, studierte an der Ecole de Photographie, Vevey. Für seine fotografischen Arbeiten, die er regelmässig ausstellt, erhielt er zahlreiche Preise. Er lebt und arbeitet in Valliere, Frankreich und Zürich.


Positionen der Fotografie – Wie lässt sich Kunst eigentlich anwenden?

In dieser Vortragsreihe stellen Fotograf:innen und Künstler:innen ihre Arbeiten vor und diskutieren im Anschluss Fragen und Kommentare der Studierenden und Gäste. Im Zentrum steht dabei die Frage, in welchen Kontexten sich zeitgenössische Fotografie bewegt und inwiefern sich angewandte und künstlerische Haltungen treffen oder gegenseitig beeinflussen können. Wie sich Kunst als Beruf realisieren lässt oder als Voraussetzung für anspruchsvolle angewandte Arbeiten wirkt, wird von den eingeladenen ReferentInnen auf sehr unterschiedliche Weise vertreten und soll ein breites Feld von «Positionen» aufzeigen.

Keine Anmeldung erforderlich – Eintritt frei!

This lecture presentation intends to act as a primer to contemporary photography practices in India. Often alternating between timeframes, we will be looking at how several aspects of representation, landscape, archive, community, family, identity, internet, and ecology are tackled by practitioners of photography - responding to the many peculiar contexts and constant flux within which the country resides.

Amarnath Praful is a visual artist, writer and teacher who primarily works with photography. 

Im Zentrum ihrer Arbeit stehen die so genannten Coloureds, die Klasse der Mischlinge, die sich während den Jahrzehnten der Apartheid zwar am Wertesystem der regierenden weissen Minderheit orientierte, aber dennoch nicht an deren Privilegien teilhaben konnte, und deren heutige Alltagskultur von widersprüchlichen Einflüssen und Referenzen geprägt ist. Die Arbeit wurde in diversen Ausstellungen, Künstlerbüchern und Magazinen publiziert und mehrfach mit Werkstipendien – zuletzt mit den Eidgenössischen Förderpreis für Design 2006 – ausgezeichnet. Ausserhalb ihrer kritisch-dokumentarischen Arbeit ist Melanie Hofmann als freischaffende Fotografin für Auftraggeber wie Vitra, Universal Music, Das Magazin, Annabelle, Avenir Suisse, JRP Ringier und das Bundesamt für Kultur tätig.

Positionen der Fotografie – Wie lässt sich Kunst eigentlich anwenden?

In dieser Vortragsreihe stellen Fotograf:innen und Künstler:innen ihre Arbeiten vor und diskutieren im Anschluss Fragen und Kommentare der Studierenden und Gäste. Im Zentrum steht dabei die Frage, in welchen Kontexten sich zeitgenössische Fotografie bewegt und inwiefern sich angewandte und kritrische Haltungen treffen oder gegenseitig beeinflussen können. Wie sich Kunst als Beruf realisieren lässt oder als Voraussetzung für anspruchsvolle angewandte Arbeiten wirkt, wird von den eingeladenen Referent:innen auf sehr unterschiedliche Weise vertreten und soll ein breites Feld von «Positionen» aufzeigen.

Melanie Hofmann (*1974) fotografiert seit rund 10 Jahren die Familie ihrer südafrikanischen Mutter sowie ihr persönliches Umfeld in Kapstadt, wo sie seit Anfang 2004 lebt und das sie zuvor regelmässig besucht hatte.

Keine Anmeldung erforderlich – Eintritt frei!

In ihrer fotografischen Arbeit hinterfragt Anna-Tia Buss das Gefühl von Zugehörigkeit und Identität, und was es bedeutet, eine Frau in unserer Gesellschaft zu sein. In ihrem Langzeit-Projekt I never realized untersucht Anna-Tia Buss Schönheitsideale und wie sie unsere Körperwahrnehmung prägen. In mehreren ihrer Arbeiten verwendet sie einen kollaborativen Ansatz und lädt die TeilnehmerInnen ein, sich an der Entstehung der Werke zu beteiligen.

Anna-Tia Buss ist eine Schweizer Fotografin, ursprünglich aus Genf, lebt und arbeitet zurzeit in Zürich. Nach ihrer Fotografie-Ausbildung an der Fotoschule Vevey – Centre d'enseignement professionnel de Vevey CEPV –schloss sie mit einem Bachelor in Camera Arts an der Hochschule Luzern ab. Ihre Arbeiten wurden bereits in nationalen und internationalen Ausstellungen gezeigt.

Am 9. November um 18.00 Uhr gibt uns Anna-Tia Buss einen Einblick in ihr Schaffen. Im Anschluss gibt es Gelegenheit für Fragen und Austausch.

Der Anlass findet in Zusammenarbeit mit der Veranstaltungsreihe vfg bildersoirée statt.

Jules Spinatsch ist vor allem bekannt geworden für seine Surveillance Panoramas Projects– eine Innovation in der konzeptuellen Dokumentarfotografie, die mittels programmierbarer Kameras neuartige Panoramen aus bis zu 10000 Bildern erzeugt. Das bildbestimmende Prinzip dabei ist eine paradoxe Liaison von minutiöser Planung und gelenktem Zufall.

Jules Spinatsch Fotografien und Video-Arbeiten wurden unter anderem ausgestellt und/oder angekauft im Museum of Modern Art, MoMA, New York; SF MoMA, San Francisco; Walker Art Center, Minneapolis; Tate Modern, London. Spinatsch erhielt zahlreiche nationale und international Auszeichnungen und hat bis heute über 10 Monografien publiziert. Temporary Discomfort wurde 2005 zum weltweit besten Fotografie Buch gewählt und 2011 in Martin Parr's Auswahl der 30 wichtigsten Fotografie-Bücher der letzten 10 Jahre aufgenommen.

Positionen der Fotografie – Wie lässt sich Kunst eigentlich anwenden?

In dieser Vortragsreihe stellen Fotograf:innen und Künstler:innen ihre Arbeiten vor und diskutieren im Anschluss Fragen und Kommentare der Studierenden und Gäste. Im Zentrum steht dabei die Frage, in welchen Kontexten sich zeitgenössische Fotografie bewegt und inwiefern sich angewandte und künstlerische Haltungen treffen oder gegenseitig beeinflussen können. Wie sich Kunst als Beruf realisieren lässt oder als Voraussetzung für anspruchsvolle angewandte Arbeiten wirkt, wird von den eingeladenen ReferentInnen auf sehr unterschiedliche Weise vertreten und soll ein breites Feld von Positionen aufzeigen.

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Besonderes Augenmerk legt Tillo Spreng auf Fragen zu Repräsentation, zum Umgang mit Machtdynamiken zwischen Protagonist:innen und Filmschaffenden und damit verbunden auf Prozesse des partizipativen Filmemachens.

Tillo Spreng ist Assistent an der F+F im Studiengang Fotografie HF. Er setzt international als Regisseur und Kameramann Werbefilme, Musikvideos, Kurz- sowie Dokfilme um. Er war Musikproduzent und über 12 Jahre als Veranstalter und DJ-Resident in diversen Zürcher Clubs tätig. Nach seiner Ausbildung an der Wirtschaftsmittelschule schloss er 2010 mit dem Bachelor of Arts in der Vertiefung Cast (Audio-visuelle Medien) an der ZHdK ab. 2022 schloss er an der ZHdK den Master Transdisziplinarität ab, wo er sich vertieft mit Repräsentation, Prozessen der künstlerischen Zusammenarbeit und Autor:innenenschaft in Zusammenhang mit seiner Praxis auseinandersetzte.

Seit vielen Jahren arbeitet der Felix Streuli vor allem für die Werbung. Anhand seines Portfolios gibt er einen Einblick in seine aktuelle Arbeit und erzählt, wie man zu Aufträgen kommt, wie sie abgewickelt werden und wie man in der Auftragsfotografie mit den Vorgaben bzw. den Freiheiten umgeht.

Mit dem gelernten Handwerk und vor allem mit der sich im Laufe der Jahre entwickelten Formensprache wendet er sich nun vermehrt eigenen Themen zu. So entstanden in losen Abständen parallel zur Auftragsfotografie zahlreiche freie Arbeiten, die er im zweiten Teil des Vortrages zeigt.

In der Vortragsreihe Positionen der Fotografie – Wie lässt sich Kunst eigentlich anwenden? stellen Fotograf:innen und Künstler:innen ihre Arbeiten vor und diskutieren im Anschluss Fragen und Kommentare der Studierenden und Gäste. Im Zentrum steht dabei die Frage, in welchen Kontexten sich zeitgenössische Fotografie bewegt und inwiefern sich angewandte und künstlerische Haltungen treffen oder gegenseitig beeinflussen können.

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Yumna Al-Arashi ist eine arabisch-amerikanische Fotografin und Künstlerin, die derzeit in Zürich lebt. Sie erhielt ihren Bachelor in International Politics an der New School in New York City und absolviert gegenwärtig ihren Master an der Zürcher Hochschule der Künste. Mit Hilfe von Fotografie, Film, Installation und Text setzt sich Al-Arashi in ihren Arbeiten mit der Vorstellung von Körpern in der Diaspora, Menschenrechten, Feminismus und Sexualität auseinander. Ihre Arbeit wurde vom MoMA PS1, der International Women's Media Foundation, der National Portrait Gallery London und dem Arab Fund for Arts and Culture unterstützt. Nächstes Jahr wird ihre Monografie in der Edition Patrick Frey erscheinen.

Keine Anmeldung erfoderlich – Eintritt frei!

Celia Längles Arbeit basiert auf inhaltlichen und künstlerisch-experimentellen Recherchen, die zu transmedialen Installationen und Displays führen, welche die Rezipient:innen dazu einladen, eigene Verbindungen und Assoziationen herzustellen.

Sie schreibt über ihre Arbeit: «Für mich ist der künstlerische Prozess vor allem ein kombinatorischer Prozess, der Beobachtungen und Konstrukte aus ihrem ursprünglichen Rahmen herauslöst, neue Gegenüberstellungen schafft und dadurch neue Bezüge, Bedeutungen und Erfahrungsräume erzeugt. Er ist ein Prozess der Dekodierung und Rekodierung, der Transformation und Deterritorialisierung.»

Nach einem Studium in Molekularbiologie und mehreren Jahren Berufserfahrung in diesem Feld, besuchte Celia Längle von 2015 bis 2018 den HF Studiengang Fotografie an der F+F. Anschliessend hat sie an der HKG in Bern den Master Contemporary Arts Practice absolviert und ist nun als freischaffende Künstlerin in Zürich tätig.

Celia Längle wird uns einen Einblick in ihr vielfältiges Schaffen geben und über ihren Weg nach der F+F berichten.

Am 7. Dezember um 16.30 Uhr gibt uns Clia Längle Einblick in ihr vielfältiges Schaffen und über ihren Weg nach der F+F berichten. Im Anschluss gibt es Gelegenheit für Fragen und Austausch – Eintritt frei!

Michael Krone, freischaffender Fotograf, hält im Rahmen der Veranstaltungsreihe Positionen der Fotografie – Wie lässt sich Kunst eigentlich anwenden? des Studiengangs Fotografie einen Vortrag über seine Arbeiten halten.


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Im Rahmen der Vortragsreihe Positionen der Fotografie gibt Mirjam Wirz Einblicke in ihre künstlerische und forschende Praxis – entlang jener Wege, die sie seit vielen Jahren nach Lateinamerika führen. 

Die Schweizer Fotografin, Forscherin und Übersetzerin lebt heute in San Jacinto an der kolumbianischen Karibikküste. Seit 2010 untersucht sie Cumbia-Musik und Soundsystem-Kulturen in Mexiko, Kolumbien und Peru. Ihre Arbeit verbindet dokumentarische Fotografie, transdisziplinäre Recherchen und langfristige Feldforschung; sie entwickelt Bild-Text-Arbeiten, die lokale Musik- und Klangkulturen ebenso erfassen wie deren soziale und historische Verflechtungen.

Mirjam Wirz ist Herausgeberin und Autorin der langjährigen Publikationsreihe Sonidero City, die seit 2013 zahlreiche Bände umfasst. Ihre Arbeiten wurden in verschiedenen institutionellen Kontexten gezeigt, unter anderem 2019 im Fotomuseum Winterthur.

Texas Reliable News sind vertrauenswürdige Berichte über das Leben und die Lage in Texas/USA. Sie sind insofern vertrauenswürdig, weil sie niemandem verpflichtet sind und nicht die Interessen von Dritten verfolgen. Die Berichte schlagen eine persönliche Sichtweise auf das Leben und eine Interpretation der gesellschaftlichen Lage in Texas vor.

Während einem halben Jahr verschickte die Fotografin, Künstlerin und Autorin Sabine Troendle einen wöchentlichen Broadcast aus Texas – Fotografien und Text via Email sowie einen Link auf ihre Website, auf der der neuste Beitrag jeweils aufgeschaltet wurde. Mit ‹Texas Reliable News› schaffte Troendle ein Format, das ihr einerseits erlaubt, als Berichterstatterin unterwegs zu sein, und andererseits die Wichtigkeit von alternativen, entschleunigten Informationsformen in der heutigen Medienlandschaft betont. Die Texas Reliable News liegen seit 2015 auch als Buch vor.

Positionen der Fotografie – Wie lässt sich Kunst eigentlich anwenden?

Im Zentrum steht dabei die Frage, in welchen Kontexten sich zeitgenössische Fotografie bewegt und inwiefern sich angewandte und künstlerische Haltungen treffen oder gegenseitig beeinflussen können. Wie sich Kunst als Beruf realisieren lässt oder als Voraussetzung für anspruchsvolle angewandte Arbeiten wirkt, wird von den eingeladenen Referent_innen auf sehr unterschiedliche Weise vertreten und soll ein breites Feld von «Positionen» aufzeigen.

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Fragile und poetische, wie auch von Witz und Ironie geprägte Fotografien, Installationen bis hin zu performativen Inszenierungen stehen im Zentrum von Stefan Burgers Schaffen. Fotografien bilden immer mal wieder den Ausgangspunkt seiner Arbeiten. Am Ende des künstlerischen Prozesses sind sie oftmals kaum mehr sichtbar und über Umwege zu Videos, skulpturalen Arbeiten oder Installationen weiterentwickelt. Das Medium Fotografie wird bis an die Grenzen seiner Möglichkeiten und darüber hinaus ausgelotet.

Im Mittelpunkt von Stefan Burgers Werken stehen Fragen nach den Produktions- und Präsentationsbedingungen von Kunst. Selbstreflexiv analysiert er seine Rolle als Künstler im Entstehungsprozess der Arbeiten, thematisiert das Verhältnis von Produzent und Rezipient oder schafft kritische Bezüge zur Kunstgeschichte. Er untersucht damit die Gesetze und Normen künstlerischer Produktion bis hin zu Abnormitäten und Irrwegen, deutet in ihre Richtung und hinterfragt sie.

Keine Anmeldung erforderlich – Eintritt frei!

Dreiundzwanzig Inszenierungen einer Frau, die sich durch verschiedene Fotos hindurch nicht ähnlicher zu werden scheint. Auch wenn diese offene Beziehung zum Anderen und die Bereitwilligkeit, sich dem Anderen ähnlich zu machen, rasch verloren geht, bleiben die Fragen: «Warum bin ich ich und warum nicht du? Warum bin ich hier und warum nicht dort?»

Christiane Fichtner lädt dazu ein, für sie Lebensentwürfe zu schreiben – sie einzukleiden, zu schminken, zu fotografieren – sie zu verändern. Sie gibt Spielregeln vor und macht sich doch gleichzeitig zur Spielfigur der anderen. Drei einfache Angaben (Name, Beruf, Geburtsjahr) formulieren den Rahmen, mit dem Christiane Fichtner Menschen auffordert, ihr einen Lebenslauf auf den Leib zu schreiben. Die fiktiven Texte werden in kollektiver Prozessarbeit mit verschiedenen Teams Vorlage neuer Ich-Konstruktionen. Für den Betrachter der großformatigen Fotografien inklusive Text, ist zunächst jede Biografie glaubhafte Realität. Erst in ihrer Aneinanderreihung verweisen sie auf Identität als vielfach inszenierbare Möglichkeit und enttarnen das Ich als fragwürdiges Moment. Die eindeutige Inszeniertheit und oft auch modische Überzeichnung der Porträts durchkreuzt den Blick fürs Authentische und lenkt ihn statt dessen auf die Musterbildungen, die Typologien – auf das Wiedererkennen von Formen statt dem einer Person.

Alles spielt sich auf der Ebene der Darstellung ab. Hierin ist Fichtners Arbeit der Form des Theaters – der temporären Aufführung von Charakteren – sehr nah. 
Christiane Fichtner lebt und arbeitet in Bremen.

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Haw-lin – Nathan Cowen (*1983, Kailua, Hawaii, USA) und Jacob Klein (*1980, Rheda-Wiedenbrück, DE) leben und arbeiten in Berlin. Die Gestalter bewirtschaften seit 2008 das Online Mood-Board Haw-lin. 2011 gründeten Nathan und Jacob das Design und Research Studio Haw-lin Services.

In ihrem Vortrag sprechen die beiden über ihr Zusammentreffen, den Beginn von Haw-lin und wie sie damit arbeiten. Unter anderem werden sie die Thematik Blogs aufgreifen und über Design, Genre, Copyright und den Einfluss von Blogs auf die zeitgenössische Fotografie sprechen.

Positionen der Fotografie – Wie lässt sich Kunst eigentlich anwenden?

In dieser Vortragsreihe stellen Fotograf:innen und Künstler:innen ihre Arbeiten vor und diskutieren im Anschluss Fragen und Kommentare der Studierenden und Gäste. Im Zentrum steht dabei die Frage, in welchen Kontexten sich zeitgenössische Fotografie bewegt und inwiefern sich angewandte und künstlerische Haltungen treffen oder gegenseitig beeinflussen können. Wie sich Kunst als Beruf realisieren lässt oder als Voraussetzung für anspruchsvolle angewandte Arbeiten wirkt, wird von den eingeladenen ReferentInnen auf sehr unterschiedliche Weise vertreten und soll ein breites Feld von «Positionen» aufzeigen.

Keine Anmeldung erforderlich – Der Vortrag wird in Englisch gehalten – Eintritt frei!